劉巧楣（臺大歷史系副教授）
本講討論西洋藝術的經典課題：裸體，在18世紀末以來的藝術中如何發展。首先由古典裸體藝術理論與作品導入，解釋形式與肉體（form and flesh）的組合方式；其次介紹19世紀以來的裸體藝術，進而討論現代藝術中與身體相關的重大議題。為引導觀眾欣賞「裸：泰德美術館典藏大展」的主題與展品，我們將對照與這批展品相關的現代藝術經典作品。
希臘時代以來的裸體藝術常為藝術形式的表現，傳達紀念性、神性、英雄氣質與美等特質，同時因為青銅雕刻技術的考量，身體的個別部位大多以模組方式鑄造，因此大致有共同標準，並逐漸有正典（canon）的觀念。這種造型理想深刻地影響後世的裸體藝術，以文藝復興時期和18世紀的學院派藝術為高峰。
歷經18世紀末以來的政治變革與產業革命，裸體藝術與理論歷經了諸多變動。新古典主義藝術理論有兩項重要的指標，一是溫克曼（J. J. Winckelmann, 1717-1768）提出的希臘古典雕刻（實為希臘化雕刻）的精神：高貴的單純、寧靜的宏偉。另一指標是萊辛（Gotthold Ephraim Lessing, 1729-1781）的《勞孔》所提倡的詩與畫的界限，亦即藝術類別的區隔，雕刻等造型藝術與空間相關，應表現最具孕育性的時刻，而非接續性的敘述。新古典主義發展以裸體雕像展現的理想美，但逐漸出現個別差異，十分值得玩味。義大利雕刻家卡諾瓦（Antonio Canova, 1757-1822）參考當時考古發現的認知，在大理石雕像加上維妙的膚色處理，強調溫潤感。丹麥雕刻家索華森（Bertel Thorvaldsen, 1770-1844）則追求閃亮的石材特點，以展現人物的純潔和神性。
19世紀以來的裸體藝術或與身體相關的題材較多社會生活內容，1860年代的裸體藝術標示著新的創作路徑。印象主義的浴女圖蔚為大觀，竇加、塞尚、雷諾瓦的浴女圖都是經典作品，各有特點。竇加的《浴盆中的女子》深入地觀察巴黎下層社會的性勞工，在卑微但舒適的角落中，有如貓一般地淨身，或是由工作場所的老婦幫忙。塞尚在20世紀初創作的浴女圖表現想像的裸女群組，在自然的和諧光影中自由自在地伸展。雷諾瓦的裸女則強調鄉居的喜悅。
20世紀初的立體主義、野獸主義、表現主義、超現實主義都可看到現代裸體的形態，並開始承載更多個別或奇幻的身體記憶。在立體主義的啟發之下，抽象形式增加了力（force）的表現。馬諦斯（Henri Matisse, 1869-1954）的裸女常以周圍的粗筆色彩連結背景情境。歷經第二次大戰後的創傷，戰後藝術的身體題材常見冷漠、暴力或血腥的因素，同時展現堅韌的存活狀態。亨利．摩爾（Henry Moore, 1898-1986）的《倒下的戰士》（Falling Warrior, 1956-7, 約1957-60鑄造），人物幾乎騰空，略微懸浮於底座上方，展現戰士的肌肉能量和求生意志。
20世紀晚期的身體政治學議題包含諸多重要作品，探討藝術中的身分、性別、種族、族群等因素。盧西安．佛洛伊德（Lucian Freud, 1922-2011）的《站在布堆旁》（Standing by the Rags, 1988-9）以嚴謹厚實的油畫描繪畫室的角落，一名裸體模特兒倚靠在一堆沾著油彩的抹布休息。露易絲．布爾喬亞（Louise Bourgeois, 1911-2010）是1970年代女性主義藝術的指標人物，紙本不透明水彩《女人》（Femme, 2007）結合了居家婦女和象徵母親的蜘蛛意象，腥紅的線條和拓染傳達了血與肉的創傷。約翰．卡普蘭斯（John Coplans, 1920-2003）的《自拍像（飾帶2號，四連作）》（Self-Portrait [Frieze No. 2, Four Panels], 1994）取法醫療照片，強調身體的支離破碎，以蒙太奇手法剪輯，組成白色網格柵的幽閉效果，回顧這衰老的軀體所經歷的種種折騰。這組照片反思新古典主義美少年的陽剛與高貴，別具酸楚的寫實性。
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